Gojitmal, 1999

Gojitmal que, em inglês, foi traduzido como “Lies”, ou seja, “Mentiras” é estranho, assim como a sua tradução. Estranho pois fiquei imaginando o motivo do título, seria uma irônia? Talvez, em qualquer situação poderia se tornar banal esse questionamento, mas aqui se faz necessário, ao terminar de assistir, tive a ligeira impressão de que o diretor, Jang Sun Woo, poderia ter extraído bem mais dessa história.

Não posso negar, aliás, que o início do filme é um primor, mesmo com uma filmagem que apresenta um certo desequilíbrio, senti como se fosse um voyeur, seguindo aqueles personagens comuns a caminho de suas próprias descobertas. Em muitos momentos a câmera se esconde atrás da parede, como se estivesse espionando o sexo, as pronúncias envoltas de muita excitação. Enfim, como disse, “Lies” me ganhou nesse início onde temos, representativamente, um diretor de cinema apresentando a ideia do próprio filme que virá a seguir, nas palavras dele a obra fala sobre possessão, o que me parece deveras interessante, temos dois personagens centrais que possuem um ao outro mas não se possuem, ou seja, vazios, não há identificação por eles, os mesmo não passam de almas penadas enquanto sozinhos, parece que voltam a vida quando estão, de alguma maneira, relacionados ao sexo. E bota sexo nisso, há em todos os momentos cenas picantes, sendo, inclusive, banido na Coréia do Sul em 1999.

A certeza que fica no início é realmente essas, o filme fugirá dos padrões, parecerá com um documentário e, ao longo, será inserido uma espécie de Making-of. Tentarei explicar, antes dos créditos iniciais o diretor fala para alguém – espectador – sobre o que trata o filme, vem os créditos e depois somos apresentados a personagem Y, uma menina de 18 anos que está indo encontrar um cara que ela fez sexo por telefone, depois corta e temos a atriz que interpreta Y falando, nos bastidores da entrevista para entrar no elenco, que se estava se sentindo um pouco desconfortável por estar fazendo um filme que apareceria bastante tempo nua. Bem, é uma loucura, mas genial. Não me lembro de outro filme utilizando esse artifício, para mim foi uma novidade maravilhosa.

Y encontra J, ela uma menina de 18 anos e ele um homem de 38, sua mulher está em viagem e ele conhece Y no telefone, fica claro que ambos já se excitaram um com o outro, por meio da voz. Ela até fala que não teria como não aceitar encontrá-lo pois tinha ficado molhada apenas ao ouvi-lo. Bem, eles vão para um quarto de motel – durante uma hora e quarenta minutos, vinte minutos é de filmagens externas e uma hora e vinte é tudo dentro de quartos – e lá se conhecem visualmente, cada detalhe, a calcinha, o pênis, o cheiro da axila (?) enfim, é de se admirar(estranhar) a naturalidade que eles agem no primeiro encontro, ou esse seria simplesmente uma consequência da afinidade adquirida por telefone, ou seja, sem o toque. Ele narra suas ações, fala do corpo dela, pergunta se sabe o que está fazendo, avisa o momento de penetrá-la, enfim, alguns exageros mesmo, até que esses encontros vão tomando outras consequências, ele começa a levar uma mala com chicotes, varas, madeiras e, juntos, aderem o espancamento no bumbum, também conhecido como sadomasoquismo.

Em tempos de “50 Tons de Cinza”, Lies é uma bela contradição, filme Sul Coreano, meio perdidinho, difícil de digerir, enfim, poderia ser muito mais bem elaborado, infelizmente acaba se perdendo na mesmice, pois da metade para frente é só bunda erguida para levar palmada, os dois protagonistas – ou seria apenas um? - chegam ao cúmulo de sair pelas ruas procurando pedaços de madeira e outras coisas para bater e apanhar, grotesco mesmo é quando eles passam do lado de uns pedreiros e a Y dá uma observada em um martelo, imaginei um letreiro de pensamento em baixo assim: “com isso eu faria estrago”.
Bem, tirando a babaquice, tem uma coisa que achei muito interessante, é feito uma analogia do ato de apanhar com as lembranças de quando criança, J afirma que, enquanto apanha, é como se transportasse para sua infância, enquanto Y coloca, logo após, que sente como sua mãe, se não bastasse, ela curando dos ferimentos representa um amor maternal mesmo, só que nesse caso ela mesma fez isso com ele com uma vara... pensando bem, as mamães também batem nos seus filhos e, logo após, cuidam dos ferimentos, seriam as mamães as primeiras a depositar a ideia do prazer em apanhar nas pessoas? Fica ai esse insano questionamento.

Não poderia deixar de citar uma frase, ainda no primeiro encontro deles, onde J fica lambuzando o cu da pequena ninfeta, avisando-a que irá penetrá-la, ele então solta um “imagine meu pau como merda”. É para dar risada, se caso não tivesse um mínimo de sentido. Mas, espera um pouco, quem fala isso para o parceiro? Será que o sadomasoquismo, então, começa com o próprio diálogo?

Eles passam por diversos motéis, todos eles funcionam como um ninho de amor e interpretação de quem são e, principalmente, o que gostam. Em dado momento Y coloca, expressivamente, que queria cortar o pau do seu amante e guardar. Então deve ser isso, um enorme carinho em possuir, confirmando o que o tal diretor disse lá no início, apesar de improvável, o filme realmente fala de possessões, introduções, seja na vagina, no cu, na mente ou no nariz. O que importa é ter para si o corpo de alguém e, fazer desse alguém o seu destruidor, construindo dores.

Quanto ao título do filme, que me interroguei no início:

“ minha esposa viu o "meu amor" tatuado na minha coxa, me perguntou o que significava aquilo. Então eu comecei a mentir.”

O Universo no Olhar, 2014

Se tem uma coisa que eu admiro em qualquer área da vida é a paixão/entrega.  Acho que são justamente esses fatores que separam os meninos dos homens, ou melhor, nobres dos bárbaros. Quanto ao cinema, mantenho minha postura, aprecio a ânsia por realizar que seletos diretores têm. Mike Cahill, um jovem de 35 anos, é mais um dos nomes que vão direto para essa gaveta especial do meu coração. Começou a realizar documentários aos 17 anos. Conheceu Brit Marling em um evento de cinema, começaram uma intensa amizade e, posteriormente, a mesma o ajudou na realização do documentário “Boxers and Ballerinas”. Mais tarde realizariam juntos novamente, “A Outra Terra”, filme de grande impacto em Sundance e tão somente nessa premiação, pessoalmente eu o considero digno de qualquer premio que exista na terra. Cahill é fã assumido do diretor polonês Krzysztof Kieslowski, percebe-se algumas semelhanças em seu, até então, curto trabalho.

Brit Marling, por outro lado, vem fazendo sua carreira em base a dois diretores: Mike Cahill e Zal Batmanglij, outro jovem diretor, filho de iranianos. Aliás, os três são muito amigos. Marling está se consolidando com a musa do cinema norte americano independente, apresentando exímias performances, sustentado em uma doçura provocante.

A nova obra de arte da dupla Cahill e Marling se chama “I Origins” ou “O Universo no Olhar”, nesse, diferentemente do primeiro, Marling não assina o roteiro, faz uma ponta apenas, mas com uma personagem extremamente impactante e de importância gigantesca para a trama. O filme fala sobre reencontros, não interessa a sinopse, muito menos personagens. Se você, caro leitor, quer um motivo para se interessar em assistir, vou simplificar resumindo que eu amo cinema pois tenho consciência que aparecerá, uma hora ou outra, milagres como esse filme, que me deixam boquiaberto, chorando, refletindo, amando. Quando encontro filmes assim, eu amo o fato de ser cinéfilo, de me permitir injetar essa droga chamada cinema.

O filme começa com uma narração em off, o protagonista Dr. Ian Gray, interpretado brilhantemente pelo Michael Pitt – que no início do filme lembra muito o Johnny Depp – afirma que cada olho é um universo inteiro de diferenças. Engraçado, desde esse momento, com a inserção de fotos de olhos diversos, eu fui fisgado e automaticamente entendi o recado e me preparei para o que viria a seguir, eu escrevi e refleti muitas vezes sobre o olhar, por sinal é motivo de muito interesse da minha parte, tudo que mais amo nessa vida acontece através dos olhos. Cinema e fotografia, inteiramente magias, a segunda, inclusive, fora criada a partir do “modelo dos olhos”, por assim dizer, a máquina fotográfica é um olho que registra, com a ajuda da luz. Seria então, também, uma janela da alma, como o filme define ao longo? Aliás, o cinema poderia, então, ser classificado dessa forma, uma belíssima janela que vai de encontro a alma, ou melhor, almas. O filme fala de reencarnação, mas não importa se você, espectador, acredita ou não, pois o que vale é a ideia da volta, e a segunda chance está repleta de amor, a morte é muito pouco para um coração cheio de esperanças. Eu vejo a morte como o fim, para, enfim, o começo. Alguns vêem esse começo como uma vida eterna, eu o entendo como outras vidas com lembranças. Pois é isso que o homem faz, ele cria e imagina o mundo ao seu gosto, para o ausentar da realidade de viver só, uma história de amor não é apenas mais uma. É novamente.

Eu perdi as contas de quantas vezes me relacionei com alguém e coloquei essa pessoa a um andar acima do meu, exaltando o meu gostar. Sem perceber que, afinal, poderia ser só algo comum. Mas eu inventei história, não necessariamente propaguei isso a todos, mas na minha cabeça tínhamos algo poderoso e desconhecido, algo que nos conectava. Será que eu me adiantei no tempo? Será que estou em busca e, pelo mesmo motivo, levantei falsas expectativas com pessoas que não mereciam a minha devoção? Não sei o motivo, mas sempre precisei acreditar em amor que se reencontra. Amores ligados desde o átomo, como o Dr. Gray coloca em dado momento para sua amada.

Dr. Gray se apaixona por um par de olhos. Também conhecida como Sofi. Ela aparece, pela primeira vez, no alto de um apartamento, perto das estrelas, com os olhos vidrados, diretos para a lua. Ela cobre o rosto com um gorro, sem muita explicação. Dr. Gray pede para tirar foto dos seus olhos, algo que ele sempre fazia. Ela permite e constrói-se uma relação esquisita. Eles já se conhecem? Essa é a pergunta do espectador, pois as palavras são moldadas com uma naturalidade quase que amigável. Eles vão ao banheiro, transar, e ele pergunta carinhosamente se ela não se arrependerá do que está fazendo no dia seguinte. Ela foge e ele não sabe mais como encontrá-la.

Ele a encontra novamente. Junto a isso temos a aparição de outra personagem, uma estagiária, interpretada pela Marling. Sofi é a imaturidade de crer no espiritual, enquanto Karen, a estagiária, soa como o seu par perfeito. Extremamente lógica e, teoricamente, braço direito no quesito racionalidade. Mas ele tem Sofi como amor, sem um motivo aparente, essa é a verdade. Sofi vive dizendo aos ventos que os dois são casados no mundo espiritual, o marido, por sua vez, enxerga sua parceira com uma certa profundidade, como descrevi acima, ele afirma que ambos, no Big Bang, foram átomos que se encontraram e se encontraram e se encontraram... infinitamente.

Um homem da ciência e uma mulher da fé. Um cientista fascinados por olhos e um olhar. Esse filme é tão poético quanto inexplicável. Assisti com minha irmã e a todo momento eu ficava falando que estava me sentindo meio sufocado, parece que todas as cenas acontecia alguma coisa ou era dito alguma coisa da qual eu me identificava profundamente. Não sei explicar, mas tamanha sensibilidade doeu em mim. Fiquei estarrecido. Fiquei submerso. Chorei muito. Ri. Me apaixonei. Me reencontrei. Parece que me tornei menos louco, por perceber que o cinema conversou comigo sobre esse tema tão provocante, cuja desatenção das pessoas fazia com que eu me sentisse um esquizofrênico. O cinema me pegou pela mão e me mostrou que não, não estou louco. Me mostrou que há possibilidades de nada ser por acaso. Que há possibilidades de existir um universo, dentro de um olhar.

Repleto de significados, como a porta que deveríamos abrir pra seguir adiante e não apenas ficar trancado dentro da mesma possibilidade, o elevador como um canalizador de lembranças de vida e acontecimentos passados, a procura desenfreada e, consecutivamente, o amor sufocado. Não pela morte, pois estamos sujeitos a ela. Mas sim a falta de fé. Talvez a morte do homem moderno seja saber muito e sentir pouco. Dados e estatísticas não são nada, além de superficialidades passageiras. Uma hora ou outra percebemos que nossa vida está na Índia, personificada em uma criança de olhos claros, com muita fome e perdida. Em algum momento das nossas vidas, percebemos que nós, sim nós, somos essa criança abandonada pelo tempo.

When Marnie Was There, 2014

Studio Ghibli é sinônimo de pureza, dedicação e sensibilidade. Eu poderia criar uma lista interminável de adjetivos, mas seria inútil, pois sinto um ignorante em relação à grandiosidade desse estúdio. Nunca fui um especialista em animações japonesas ou animes, mas certamente sou um grande curioso, pois a cultura do Japão vê no desenho – seja animes, filmes ou manga – a sua alma. Studio Ghibli representa algo extremamente poderoso, uma entrega quase que absoluta a arte, é impossível não se emocionar, pois as histórias estão diretamente relacionadas com o nosso lado criança, desbravando um mundo mágico. E, nesse mundo mágico, acontecem coisas que se aproximam do exagero , porém é exatamente isso que torna os filmes cativantes e únicos. Poderia afirmar que a Pixar, há alguns anos atrás, era fruto dessa magia, uma pena que agora anda errando bastante, mas é basicamente a mesma coisa, se sustenta em grandes criadores e, principalmente, humanos extraordinários que tem muito amor e simplicidade em seus respectivos corações. Se a Pixar tem John Lasseter, o Studio Ghibli tem Hayao Miyazaki e Isao Takahata dois gênios que ensinaram os mais jovens a fazer filmes como, por exemplo, Hiromasa Yonebayashi que assina a direção desse último filme do estúdio chamado “When Marnie Was There”.

Hiromasa Yonebayashi fez “O Mundo dos Pequeninos” que, igualmente ao mais recente, nos brinda com um mundo fantástico e mistérios, levados as últimas consequências nesse último, aliás, ouso dizer que temos ai um grande nome para suceder o grande Hayao Miyazaki, poderia estar cometendo uma injustiça, mas vejo nesse jovem diretor de 40 anos um potencial enorme.

When Marnie Was There ao contrário de “O Mundo dos Pequeninos” é inteiramente mais adulto, não só pelos temas que descreverei a seguir, como também pela profundidade. Não lembro de um filme sequer desse estúdio querido, que não possua temas interessantes, mas são desenvolvidos sobre um olhar infantil, quase doce, não que isso não acontece aqui, mas há uma dose de confusão, quase um misticismo envolto de lembranças, algo que comove muito mais os adultos. Conta-nos a história de Anna, uma garota solitária e tristonha, que por motivos de saúde vai passar um tempo no campo, para se manter bem tanto fisicamente quanto emocionalmente, ela se vê diante de uma vida monótona, até que encontra uma mansão misteriosa. Essa mansão traz algum tipo de lembrança para a menina, mesmo que a própria e nós, espectadores, não saibamos. Há boatos na pequena cidade de que não mora ninguém na mansão, mas surpreendentemente Anna enxerga sempre uma menina loira através da janela, isso a intriga ao ponto de transformar esse mistério em obsessão. Conhecendo um pouco mais dessa menina, além de fazer uma belíssima amizade com a mesma, Anna descobre que a menina está cercada de mistérios.

 O filme começa e Anna está sentada em uma praça, qualquer atividade é atrapalhada por aflições da personagem sobre a sua pessoa, ela visivelmente passa por problemas de auto estima, sempre meio deslocada, a própria começa afirmando com propriedade “Nesse mundo há um círculo mágico invisível...” ela olha então para outras garotas e continua “...ou você está dentro ou fora dele”, curiosamente no mesmo tempo que ela sintetiza o filme, ainda coloca sua figura, o que representa, fora desse círculo mágico, que podemos traduzir como a vida. Ela não faz parte de nada, pelo menos o sentimento é esse, isso só se agrava ainda mais por ela ser adotada, distanciando a mesma da normalidade, por mais que sua mãe teime em dizer que está tudo normal. O coração de Anna sente que algo está errado e, mais além, sente que precisa passar por algo para compreender sua real situação, aquele famoso soco no estômago da vida, para aceitação da sua própria imagem, tão deturpada pela mesma.

Ela segue rumo à cidadezinha, bem no interior, onde a natureza se faz ainda mais presente e influenciável, soando como o paraíso das crianças. Ela, pelo contrário, fica no quarto, escreve cartas, enfim, com seu jeito tímido e delicado, quase que constante.  Quando a solidão não é mais cabível e a iniciativa para fazer amizade é nula, surge a possibilidade de enfrentar o desconhecido – representado brilhantemente pelo barco, do qual ela deve remar -, com a mansão e seus mistérios, que acabam impulsionando uma nova e rápida amizade. Tão veloz que soa artificial, no mesmo tempo que é estável, quase que natural, o mistério está jogado ao espectador, soluções clichês começam a aparecer, mas o filme em nenhum momento se torna fraco por isso, pelo contrário, esse enigma é surpreendente, talvez não inédito, mas envolto de, igualmente, muita magia e emoção.

Essa amizade/história pode ser tudo amigo imaginário, fantasma, ela mesma, enfim, tudo que é possível caber nesse mundo invisível, citado no começo do filme, pode ter uma dose de religião, como uma reencarnação, o que me parece uma grande viagem, mas é esse o real legado, pensar e solucionar algo que está muito claro, ela simplesmente precisa se sentir parte de algo, bem como transformar esse algo no seu templo, a fim de seguir a diante.

Esse amor que nasce é tão poderoso, que não se explica em nenhum momento, nem da espaço para entendermos, é um tanto romântico as vezes, no mesmo tempo confuso pois os fatos são conflitantes, mas acima de tudo é de extrema sinceridade. A explicação começa a dar lugar às lágrimas, não por saber, mas simplesmente por estar acontecendo.

Adaptado de um livro com o mesmo nome – o qual eu fiquei curioso para ler, mas tenho consciência que é muito complicado encontrar - “When Marnie Was There” faz jus ao anterior do estúdio “Princesa Kaguya” e nos transporta para um mundo incrivelmente maravilhoso, deixando de lado nossas interpretações para, tão somente, sentir.

"Eu te amo mais do que qualquer outra garota que já conheci."